Angelos Merges konzentriert sich in seinen Gemälden auf das Fragmentarische und Angedeutete. Er porträtiert Füsse in Flipflops oder deutet Umgebungen mit einer blossen Horizontlinie an. Ein leuchtendes Hellblau oder Pink erinnern an die gesättigte Farbpalette der Bildschirmästhetik, was die aufgeladene Atmosphäre in den Malereien unterstützt. Fast scheinen es bereits gesehene Szenen zu sein. Angelos vermischt persönliche Erinnerungen mit Bildern sozio-politischer Ereignisse wie der Flüchtlingskrise. Seine Bezüge stammen aus dem kollektiven Gedächtnis und bieten Raum für individuelle Reflexion. Ein zentrales Thema seiner Kunst ist die Liminalität – ein Zustand des Übergangs, zwischen Gewissheiten und einer unklaren Zukunft. Diese Schwelle markiert einen Moment des Wandels, in dem Altes hinter sich gelassen wird, ohne dass das Neue schon vollständig greifbar ist – geprägt von Mehrdeutigkeit und Unsicherheit, aber auch von neuen Möglichkeiten.
Angelos Merges focuses on the fragmentary and the evocative in his paintings. He portrays feet in flip-flops or suggests surroundings with a mere horizon line. A bright light blue or pink is reminiscent of the saturated color palette of screen aesthetics, which enhances the loaded atmosphere in the paintings. It almost seems as if the scenes have already been seen. Angelos brings together personal memories with images of socio-political events such as the refugee crisis. His references derive from the collective memory and offer space for individual reflection. A central theme in his paintings is liminality – a state of transition, between certainties and an unclear future. This threshold marks a moment of change in which the old is left behind without the new being fully tangible – characterized by ambiguity and uncertainty, but also by new possibilities.
Essen verbindet – das klingt zunächst simpel. Doch bei genauerem Hinsehen machen sich schnell kulturelle und gemeinschaftliche Unterschiede bemerkbar. Ankita Das thematisiert diese Differenzen in ihrem Werk «Careful it’s hot» (2024), indem sie nicht nur für das Publikum kocht, sondern gleichzeitig kritische Fragen zu Identität, Herkunft und Propaganda performativ verhandelt. Bereits der Blick auf einzelne Lebensmittel zeigt, wie komplex diese Themen sind, ohne dass man dafür in die Ferne schweifen muss – vorausgesetzt, das Publikum ist bereit, sich auf «authentisches» indisches Essen einzulassen.
Food brings people together – it sounds simple at first. But on closer look, cultural and communal differences quickly become noticeable. Ankita Das thematises these differences in her work «Careful it's hot» (2024) by not only preparing food for the audience, but also by simultaneously addressing critical questions of identity, origin and propaganda in a performative way. Even a glance at individual foods shows how complex these issues are without having to travel far afield - provided the audience is willing to engage with «authentic» Indian food.
Photo credits: France Bellmas, Deniz Guzel, Pau Solzier
Bérénice nutzt in ihrer Serie «Webs of Power: Weave Resistance» (2022), einen digitalen Jacquard-Webstuhl (TC2) dessen Ursprung auf die ersten binären Codes zurückgeht. Inspiriert von der Geschichte ihres Grossvaters, der als Widerstandskämpfer während des 2. Weltkriegs Nazi-Codes entschlüsselte, entwickelte sie ihr eigenes Alphabet aus pixelartigen Symbolen. Indem sie ihre eigene Codierung wie ein klassisches Alphabet verwendet, webt sie geheime Botschaften und Mythen in ihre Stoffe ein. In ihrer aktuellen Serie «NatureaCulturea» (2024), wendet Bérénice die Webtechnik des Jacquardwebstuhls in Handarbeit an. Sie webte ihre Stücke im Baskenland und der Toskana. Beide Regionen haben eine historische Verbindung zu Textilien und Widerstandsbewegungen. Bérénice platziert Wörter und Zeichen so, dass sie eine uralte, fast mythische Form künstlicher Intelligenz darstellen, die aus der Verbindung von Natur und Kultur entsteht. Ein Konzept, das vom Schriftsteller James Bridle in seinem Buch «Ways of being, beyond human intelligence» inspiriert wurde.
In her series «Webs of Power: Weave Resistance» (2022), Bérénice Courtin uses a digital jacquard loom (TC2) whose origins go back to the earliest binary codes. Inspired by the story of her grandfather Kazimierz Gaca, a Polish resistance fighter who deciphered Nazi codes during the Second World War, she developed her own alphabet of pixel-like symbols. Using her own coding like a classical alphabet, she weaves secret messages and myths into her fabrics. In her current series «NatureaCulturea» (2024), Bérénice uses the weaving technique of the Jacquard loom by hand. She wove her pieces in the Basque Country and Tuscany. Both regions have a historical connection with textiles and resistance movements. Bérénice places words and signs in such a way that they represent an ancient, almost mythical form of artificial intelligence that arises from the connection between nature and culture. A concept inspired by the writer James Bridle, in his book «Ways of being, beyond human intelligence.»
Charlie Jannes arbeitet an der Schnittstelle von technischen Druckverfahren und handwerklicher Manipulation. Seine Werke kombinieren digitale Prozesse wie Scannen und Drucken mit physischen Eingriffen wie Schmelzen, Verdrehen und Verbrennen. Den Werken gehen langwierige Rechercheprozesse zu Drucktechniken, ikonografischen Bedeutungen und historischen Bezügen von Mustern und Materialien voran. Dabei hinterfragt er die Bedeutung von Identität und Herkunft in der globalisierten Welt. Der Hahnentritt ist ein wiederkehrendes Muster, eine zeitlose Referenz zur Fashion-Industrie, jedoch so weit verbreitet, dass seinen Ursprung wenig bekannt ist. Das Muster verbindet er mit persönlichem Fotomaterial seiner Familie. Durch die Präsentation auf Transportboxen erhalten die Arbeiten eine skulpturale Dimension, die ihren industriellen Entstehungskontext unterstreicht.
Charlie Jannes works at the intersection of technical printing processes and manual manipulation. His works combine digital processes such as scanning and printing with physical interventions such as melting, twisting and burning. The works are preceded by tedious research processes into printing techniques, iconographic meanings and historical references of patterns and materials. In doing so, he questions the meaning of identity and origin in a globalized world. The houndstooth is a recurring pattern, a timeless reference to the fashion industry, yet so widespread that its origins are little known. He combines the pattern with personal photographic material from his family. The presentation on transport boxes gives the works a sculptural dimension that emphasizes their industrial context of origin.
Das Kollektiv Jana Kohler, Rémy Sax und Tobias Rüetschi, aka Clown College, verbindet nicht nur die Hingabe zur Kunst, sondern auch zur Musik. Ob es an der Jungkunst laut wird, bleibt abzuwarten. Eines steht jedoch fest: Die drei lieben es, zu spielen – sei es mit Videomaterial, alten Klaviaturen oder, wie in ihrer eigens für die Jungkunst geschaffenen Installation, mit Found-Footage-Horror. Erwachsen fühlen sie sich nur, wenn sie müssen. Dennoch gelingt es ihnen, in ihren Werken eine beeindruckend ausgereifte und digital neu interpretierte Realität zu erschaffen.
The collective Jana Kohler, Rémy Sax and Tobias Rüetschi, aka Clown College, are united not only by their dedication to art, but also to music. Whether it will be loud at Jungkunst remains to be found out. But one thing is certain: the three love to play – be it with video material, old keyboards or, as in their installation created especially for Jungkunst, with found-footage horror. They only feel grown-up when they must. Nevertheless, they manage to create an impressively mature and digitally reinterpreted reality in their artworks.
Photo credits: Claude Buehler
Freihängende Gipsfragmente dienen als Projektionsflächen für Flavio Hodels Video-Installation. Sie zeigt Unterwasseraufnahmen im Fluss und Szenen im Wald. Verschiedene Atmosphären werden geschaffen, die mit der faszinierenden und zugleich entfremdeten Beziehung zur natürlichen Umwelt spielen. Trotz einem zerstückelten Nebeneinander und einer ambivalenten Stimmung kann ein Gefühl der Geborgenheit gefunden werden. Das Video wird durch verfremdete Aufnahmen von natürlichen Klängen komplementiert. Durch das Übereinanderlegen von Tonaufnahmen entsteht eine neue, immersive Komposition, welche Vielfalt zelebriert und sich dem Zwang nach Ordnung und Einheit entzieht. Flavios Kunst bewegt sich zwischen experimenteller Film-Installation und Material-Collage, wobei die Sinne unmittelbar berührt werden, indem das Spürbare sowie Erlebbare in den Mittelpunkt gelangt.
Freely suspended fragments of plaster serve as projection surfaces for Flavio Hodel’s film installation. It shows underwater shots in the river and scenes in the forest. Different atmospheres are created that play with the fascinating and at the same time alienated relationship to the natural environment. Despite the fragmented juxtaposition and ambivalent mood, there is a sense of security. The video is complemented by alienated recordings of natural sounds. The layering of sound recordings creates a new, immersive composition that celebrates diversity and resists the compulsion for order and unity. Flavio’s art moves between experimental film installation and material collage, directly engaging the senses by focusing on what can be felt and experienced.
GATTI NUDI, ursprünglich als Punkband gegründet, ohne aber je zum Musikmachen gekommen zu sein, sind die Künstlerinnen Nina Brügger und Laura Veenemans. Ausgehend von alltäglichen Gegebenheiten schaffen sie vorwiegend Skulpturen und Videoarbeiten, in denen sie völlig normal gewordene zwischenmenschlicher Absurditäten offenlegen. Wir beobachten Hände bei der Zubereitung von Essen. Anfangs zärtlich werden die Berührungen immer vehementer. Das Video «There is only one way to hold a knife» (2023) spielt in einer Küche und wir hören einer Stimme zu, die uns die Geschichte einer Verabredung in der zermürbenden Phase zwischen Superlike und Sympathie, Nimmerwiedersehen und Fürimmervielleicht, Vertrautheit und Ausnutzung erzählt. Es ist eine Geschichte voller Erwartungen, ein Spiegel einer ganzen Generation auf der Suche nach Liebe in der seltsamen Sprache der Dating-Apps.
GATTI NUDI, originally founded as a punk band without ever playing music, are the artists Nina Brügger and Laura Veenemans. Taking inspiration from the realities of everyday life, they mainly create sculptures and video works in which they reveal interpersonal absurdities that have become completely normal. We observe hands preparing food. Initially tender, the touches become increasingly intense. The video «There is only one way to hold a knife» (2023) takes place in a kitchen and we listen to a voice telling us the story of a date in the grueling phase between superlike and sympathy, never again and maybe forever, intimacy and exploitation. It is a story full of expectations, a mirror of an entire generation in search of love in the strange language of dating apps.
Photo credits: Lea Kunz, Hansjörg Sahli
Mit scharfem Blick für das Alltägliche und feinem Gespür für Ironie erkundet Gabriel Hafner die Grenzen zwischen Kunst und Design. Sein Werdegang führte ihn vom Studium der Betriebswirtschaftslehre zu einem Abschluss in Industriedesign, wodurch die beiden gegensätzlichen Welten – Fakten und Kreativität – in seine Arbeit einfliessen. «CrOsS» (2023, in Zusammenarbeit mit Alex Sinh Nguyen) ist ein vier Meter hohes Nylonkreuz, das sich durch einen Lufttanzmechanismus in unvorhersehbare Bewegung versetzt. Das Werbemedium mit seinen pulsierenden Bewegungen verwischt die Grenzen zwischen christlicher Ikonografie und kommerzieller Darstellung. Das Kreuz wird so zu einem Symbol für Einkaufszentren als heilige Räume. Letztlich steht es für den Konsumismus als vorherrschendes Glaubenssystem in der heutigen modernen Gesellschaft. Seine neuste Werkgruppe zeigt hyperrealistische digitale Drucke von Türen. Sie sind rätselhaft, voller Schönheit, ohne ihren humorvollen Charakter zu verlieren.
With a sharpawareness of the nuances of the everyday and a keen sense of irony, Gabriel Hafner delves into the interstices between art and design. His career has taken him from a degree in business administration to industrial design, allowing the two opposing worlds of fact and creativity to flow into his work. «CrOsS» (2023, in collaboration with Alex Sinh Nguyen) is a four-meter-tall nylon cross that sways unpredictably, powered by an air dancer mechanism. This pulsating advertising tool blurs the line between Christian iconography and commercial display. The cross becomes a symbol of shopping malls as sacred spaces. Ultimately, it serves as an allegory for consumerism as prevailing belief system in today’s society. His newest body of works shows hyper-realistic digital prints of doors. They are enigmatic, full of beauty without losing their humorous character.
Regelung der Rechtsnachfolge. Mit Ihrem Eintrag in die aufliegende Liste übernehmen Sie nach dem Ableben von Hannah Billich offiziell die Position der Rechtsnachfolger:in. Damit einher gehen damit verbundene
Verantwortungen und Pflichten. Eingetragene Gegenstände sind mit
einem Klebepunkt zu markieren. Ausgeschlossen sind alle Gegenstände,
welche sich nicht im Eigentum von Hannah Billich befinden. Die Liste
gehört dem Testament von Hannah Billich beigelegt. Für Transport muss
selbst aufgekommen werden.
Regulation of legal succession. With your entry in the list below, after the death of Hannah Billich, you officially assume the position of legal successor. This is accompanied by the related responsibilities and duties. Registered items are to be marked with a dot sticker. All items which are not the property of Hannah Billich are excluded. The list must be included in Hannah Billich’s will. You must arrange transportation yourself.
Ein dumpfes «Boing», wenn eine Fliege gegen eine Lampe prallt, genügt, um eine neue Arbeit bei Lisa Mark in Gang zu setzen. An der Jungkunst sind es jedoch vielmehr vier weisse Türen, die den Anstoss zur Soundinstallation «Whispers through the threshold» (2024) gegeben haben. Was sich hinter dieser Installation, beziehungsweise hinter den verschlossenen Türen verbirgt, bleibt ein Rätsel. Der Fokus liegt auf dem genauen Hinhören sowie auf der körperlichen Wahrnehmung von Klang. In Verbindung mit der Installation «Don’t take it personally it’s just a boundary» (2023) fühlt Lisa dem Thema von Grenzen weiter nach: Eingrenzungen und Begrenzungen, Abgrenzungen und Grenzüberschreitungen sowie verschwommene und unsichtbare Grenzen.
The dull «boing» of a fly hitting a lamp is enough to get a new work by Lisa Mark going. At Jungkunst, however, it was four white doors that initiated the sound installation «Whispers through the threshold» (2024). What lies behind this installation, or rather behind the closed doors, remains a mystery. The focus is on close listening and the physical perception of sound. In conjunction with the installation «Don't take it personally it's just a boundary» (2023), Lisa explores the topic of boundaries further: Boundaries and limitations, demarcations and transgressions as well as blurred and invisible borders.
Photo credits: Roshan Adhihetty, Tim Rod
Lorenz Wernlis Arbeiten bewegen sich zwischen Alltag und Absurdität, Witz und Tiefsinn und verbinden auf unerwartete Weise scheinbar unzusammenhängende Elemente. Er bricht mit den üblichen Charakteristika von Materialien wie Holz, Polyurethan und Metall und verwandelt sein Sammelsurium in Skulpturen und Installationen, die poetisch von Erfahrungen erzählen, ohne dabei zu konkret zu werden. So etwa mit «Cosmic Latte» (2024), ein Werk aus zwei Anschlagbrettern, die Spuren vergangener Menschen und Ereignisse sowie Fragmente von Geschichten enthalten, die nicht mehr lesbar sind, zusammen aber dennoch ein grösseres Ganzes abbilden.
Lorenz Wernli’s works oscillate between everyday life and absurdity, humor and profundity, and combine seemingly unrelated elements in unexpected ways. He breaks with the usual characteristics of materials such as wood, polyurethane and metal and transforms his conglomeration into sculptures and installations that poetically speak of experiences without becoming too specific. Take «Cosmic Latte» (2024), for example, a work consisting of two notice boards that contain traces of people and events from the past as well as fragments of stories that are no longer legible, but together still form a larger whole.
Wenn zwei Menschen sich nicht sehen können, schreiben sie sich Briefe: Postkarten aus dem Urlaub, Liebesbriefe, Notizzettel. Lucie Schrag öffnete ihre Schachtel mit seit ihrer Kindheit gesammelten Nachrichten und fand Texte von Expartnern aber auch ihres verstorbenen Vaters. Geliebte Personen und ihre Abwesenheit bleiben durch zurückgelassene Gegenstände wie ein Kleidungsstück haptisch anwesend und werden durch die Gegenwart ihrer Worte wieder präsent. Die Installation «39 Briefe» (2024) ist eine Hommage an die Ungreifbarkeit der Vergangenheit, an geliebte Menschen, die Wichtigkeit von Worten auf Papier. Lucie hält Momente des Dazwischens fest, zwischen Verabschiedung und Wiedersehen, zwischen Freude und Trauer. Seit mehreren Jahren sind Vergänglichkeit, Fragilität und Nostalgie wichtige Themen in Lucies künstlerischem Schaffen. In ihrem fotografischen Werk fand in den letzten Jahren eine Fokussierung von der brutalisitischen Architektur zu den Rissen im Beton statt. Diese Faszination für Aufbruchsstellen ist auch in der aktuellen Arbeit zentral.
When two people can’t see each other, they write letters: postcards from their vacation, love letters, notes. Lucie Schrag opened her box of messages collected since childhood and found texts from ex-partners as well as from her deceased father. Loved ones and their absence remain haptically present through objects left behind, like an item of clothing, and become present again through the presence of their words. The installation «39 Letters» (2024) is a homage to the intangible nature of the past, to loved ones, to the importance of words on paper. Lucie captures moments of in-between, between farewell and reunion, between joy and sadness. For several years now, transience, fragility and nostalgia have been important themes in Lucie’s artistic work. In her photographic work in recent years, there has been a shift in focus from brutalist architecture to concrete to the cracks in concrete. This fascination with places of rupture is also central to her current work.
Ist dieser Raum ein sicherer Ort? Wer kann hineinsehen? Wer kontrolliert Zugänglichkeit? Das Interieur ist Ort der Auseinandersetzung im Schaffen Margaux Hubers. Anhand von Texten, Performance und Installationen hinterfragt die Künstlerin die Intimität von Räumlichkeiten, Funktionalitäten von Objekten und Machtstrukturen innerhalb von Wohnorten. Die Installation «Les géraniums ont-ils besoin d’eau» (2023) besteht aus Storen, die ein Innen und Aussen voneinander abschirmen vermögen. Mit Geranien-Bordüren versehen verweisen sie auf traditionelle Schweizer Häuser, in denen Diskretion typischerweise gerne gesehen ist – der Blick zu den Nachbaren kann schnell als Fürsorglichkeit gegenüber den Geranien abgetan werden. Da muss auch die koloniale Herkunft von Geranien kein Thema sein.
Is this space a safe place? Who can see inside? Who controls accessibility? The interior is a place of debate in Margaux Huber’s work. Using texts, performances and installations, the artist questions the intimacy of spaces, the functionality of objects and power structures within living spaces. The installation «Les géraniums ont-ils besoin d’eau» (2023) consists of blinds that can shield the inside from the outside. With geranium bordering, they refer to traditional Swiss houses, where discretion is typically appreciated – looking at the neighbors can quickly be dismissed as caring for the geraniums. Even the colonial origin of geraniums need not be an issue.
Noah Kohlbrenner verwendet Lasurtechniken der Renaissance, um bereits auf technischer Ebene Vergangenes neu zu interpretieren. Ob es dem in Zürich lebenden Künstler gelingt, Tabby Boots, Disteln, Walliser Sagen und Mythen, und ebenso sich und seine Geschichte(n) nachvollziehbar miteinander zu verbinden und in die Gegenwart zu übersetzen, wird sich an der Jungkunst zeigen. Seine Werke, ein sanfter Gestus, um der Zeit nachzuspüren – eine Spurensuche, um die Erinnerung für das wachzurufen, was vorher vielleicht vergessen schien.
Noah Kohlbrenner uses Renaissance glazing techniques to reinterpret the past already on a technical level. Whether the Zurich-based artist succeeds in combining tabby boots, thistles, Valais legends and myths, as well as himself and his history(ies) in a tangible way and translating them into the present, will be revealed at Jungkunst. His works, a gentle gesture to pursue time – a search for traces to awaken the memory of what may have previously seemed forgotten.
Rafael Cunha da Silva befasst sich mit seiner Identität als Sohn einer portugiesischen Familie aus der Arbeitsklasse sowie seiner eigenen Erfahrung als Lagerarbeiter. Seine Werke stellen Fragen zu Arbeitsbedingungen und Herausforderungen der Lohnarbeit im Kapitalismus. Er verbindet diese Themen mit Sujets aus der Mythologie und der zeitgenössischen Unterhaltungskultur. In seinem Werk «João Pestana» (2024) setzt er die Sandmann-ähnliche Figur aus einer portugiesischen Fabel mit der Präsenz der migrantischen Putzkräfte an seiner Kunsthochschule gleich, welche dann erscheinen, wenn die meisten Studierenden schon lange im Bett sind. In «Castle of Illusion» (2024) verknüpft er die kindliche Freude beim Bau einer Sandburg mit den kreativ-schöpferischen Aspekten von Videospielen wie Minecraft, um den Verlust von Fantasie und Verspieltheit im Älterwerden zu thematisieren.
Rafael Cunha da Silva explores his identity as the son of a working-class Portuguese family and his own experience as a warehouse worker. His works question labor conditions and the challenges of manual labor under capitalism. He combines these subjects with elements from mythology and contemporary entertainment culture. In his work «João Pestana» (2024), he likens the Sandman-like figure from a Portuguese fable with the presence of the migrant cleaning staff at his art academy, who appear long after most of the students already went to bed. In «Castle of Illusion» (2024) he combines the childlike joy of building a sandcastle with the creative aspects of video games such as Minecraft to address the loss of imagination and playfulness as we grow older.
Romain Jaccoud greift in seinen Malereien und Installationen Symbole und Zeichen der Massenmedien und der Popkultur in spielerischer Art auf, reduziert, abstrahiert und kombiniert sie. Romains Werke wachsen dabei oft über die Bildfläche hinaus, welche sich auflöst, herunterhängt oder durchbrochen wird. Überall finden sich Verweise auf alltäglichen Bildwelten, die zur gesellschaftlichen Reizüberflutung beitragen. So sehen wir Flaggen, Smileys, Firmenlogos oder abstrahierte Flammen, welche sich in einem «Krieg der Symbole» um Platz auf der Leinwand streiten. In einem «gefährlichen Spiel», so Romain, werden diese Elemente neu arrangiert, um ein sowohl metaphorisches wie auch reales Kartenhaus zu errichten. Dieses könnte jeden Moment in sich zusammenfallen und dabei die Konstruiertheit der Macht der Symbole entblössen.
In his paintings and installations, Romain Jaccoud takes up symbols and signs from mass media and pop culture in a playful manner, reducing, abstracting and combining them. Romain's works often grow beyond the pictorial surface, which dissolves, hangs down or is broken through. References to everyday imagery that contribute to society’s sensory overload can be found everywhere. We see flags, smileys, company logos or abstract flames fighting for space on the canvas in a «war of symbols». In a «dangerous game», according to Romain, all these elements are rearranged to create a metaphorical yet real house of cards. Its structure could collapse at any moment, exposing the constructed nature of the reign of signs.
Photo credits: Salim Santa Lucia
Romain Rochats Arbeit veranlasst uns, über die Fragilität der Umwelt und die ihr innewohnenden verborgenen Geschichten nachzudenken. Oft setzt er sich mit mündlichen Überlieferungen, Sagen und lokalen historischen Ereignissen auseinander, die er in seine vielschichtigen Umsetzungen einfliessen lässt. Romain setzt das empfindliche Gleichgewicht zwischen Erinnerung und Ort ins Zentrum und verweist auf die stillen Nachklänge der Geschichte, die unsere Welt prägen. Mit «Two Crows» (2024) lässt er etwa den verheerenden Tornado, der 1971 durch den Waadtländer Jura zog, wieder aufleben.
Romain Rochat’s work encourages us to reflect on the fragility of the environment and the hidden stories it holds. He frequently engages with oral traditions, legends and local historical events, integrating these elements into his artistic practice through multi-layered representations. Romain underscores the tenuous equilibrium between memory and place and the subdued reverberations of history that pervade our world. In «Two Crows» (2024), for example, he revives the devastating tornado that tore through the Vaud Jura in 1971.
Selina Schlumpf interessiert sich für gesellschaftliche Seh- und Wahrnehmungsgewohnheiten sowie das Begehren, das sich im menschlichen Blick manifestiert. Mit der Verwendung von diversen Medien – Malereien im Paintbrush-Verfahren, skulpturalen und installativen Elementen – fordert sie die Wahrnehmung der Betrachtenden heraus, indem sie diese umlenkt oder verdeckt. Mit dem Spiel zwischen Sichtbarkeit und Verbergen reflektiert Selina die Sehnsucht nach Bildern und führt den Blick in einen Raum, der sich zwischen Erwartung und Enttäuschung immer wieder neu konstituiert. Ihre Arbeiten spiegeln, wie der menschliche Blick und das damit verbundene Verlangen auf scheinbar unerreichbare Wünsche ausgerichtet wird – welche dann, sobald erfüllt, sofort von neuen Zielen ersetzt werden.
Selina Schlumpf is interested in societal habits of seeing and perceiving and the human desire expressed through the gaze. Using various media – paintings using the paintbrush technique, sculptural and installation elements – she challenges the viewer’s perception by redirecting or concealing it. By playing with visibility and concealment, Selina reflects the desire for images and leads the view into a space that is constantly reconstituted between expectation and disappointment. Her works reflect how humans direct their gaze and desires towards seemingly unattainable wishes – which, as soon as they are fulfilled, are immediately replaced by new goals.
Sofia Smolenskaya hat während ihrem Fine Arts-Studium die Keramik für sich entdeckt. Sie nutzt dieses Medium, um Objekte herzustellen, die von einem sowjetischen Haushaltsbuch aus der Stalin-Ära inspiriert sind. Dieses Relikt enthält Anweisungen für die Benutzung von Elektronik und energiebetriebenen Werkzeugen. In ihren Skulpturen erweckt Sofia die darin dargestellten Schemata und Zeichnungen zum Leben, interpretiert sie neu und bereichert sie mit gefundenem Material. Die veralteten Gerätepläne und Grafiken lösen sich von ihrem historischen Kontext und werden zu rätselhaften organisch-technischen Gerätschaften mit Eigenleben. Durch Vermischung von Kunst, Handwerk und Funktionalität laden die Objekte dazu ein, über Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft nachzudenken und persönliche und gesellschaftliche Erzählungen zu überdenken.
Sofia Smolenskaya discovered ceramics during her Fine Arts studies. She uses this medium to create objects inspired by a Soviet household book from the Stalin era. This relic contains instructions for the use of electronics and energy-powered tools. In her sculptures, Sofia brings the diagrams and drawings depicted in it to life, reinterpreting and enriching them with found material. The outdated device diagrams and graphics detach themselves from their historical context and become enigmatic organic-technical devices with a life of their own. By blending art, craft and functionality, the objects invite us to reflect on the past, present and future and to rethink personal and social narratives.
